Le kirigami est un art japonais, cousin décomplexé de l'origami, qui s'autorise les ciseaux.
Servant ici d'élégantes silhouettes d'animaux, il y a en lui de la virtuosité et quelque chose de l'haïku. Entre les mains de l'architecte Olivier Leblois, également auteur d'une gamme de meubles en carton, la feuille devient volume et structure, concept et méthode. Ce bestiaire de papier à construire soi-même offre l'occasion de s'approprier les possibilités constructives du pliage par une manipulation concrète. Avec 150 modèles et une réflexion sur le pli, cet ouvrage s'adresse aussi bien aux amateurs qu'aux enseignants et professionnels de la création, la technique du pli permettant, entre autres, de donner de la rigidité à des matériaux tels le bois, le verre, le métal ou le béton.
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Ambassadeur du Chic à la française, le décorateur des années 1930 aux années 1960 conçoit la décoration comme un tout cohérent, harmonieux. En véritable ensemblier, il orchestre les métiers d'art au service d'un projet global. Son savoir-faire se développe dans des lieux chargés d'histoire our récemment construits dans lesquels il va tout à la fois inscrire, affirmer son style et sa modernité. Le Mobilier national lui consarcre en 2022 une importante rétrospective en puisant dans sa collection exceptionnelle, première au monde pour ces décennies. Cette exposition rassemble des pièces uniques, d'une qualité et d'une diversité remarquables. Les auteurs dressent ici le portrait d'une période artistique riche, à la fois héritière d'une tradition de luxe, mais aussi précurseur du design contemporain. Ils nous font découvrir les défis, les innovations et les modes de cette époque, les grands moments et Expositions universelles, quelques figures emblématiques tels Jules Leleu, André Arbus, Suzanne Guiguichon ou encore Colette Gueden. Sous l'égide de commanditaires comme Jean Zay, Michelle et Vincent Auriol, ils nous permettent d'accéder à une série de lieux incontournables des ambassades aux palais présidentiels. Lire la suite Fermer

Bien moins connu du public occidental que les estampes, les paravents (byôbu) sont depuis plus d'un millénaire des objets indissociables de la culture et de l'art de vivre japonais. Assemblage de panneaux de bois revêtu de papier, le paravent offre par un jeu de plis et de discontinuités un support de création unique aux artistes : les représentations s'y cachent et s'y révèlent au regard du spectateur. De l'époque Nara (VIIIe sicècle) à la période contemporaine, cette singularité a ouvert la voie à une réflexion picturale sur l'agencement des formes, des couleurs et des matières. Destinés à l'origine aux pratiques cérémonielles dans les palais impériaux et dans les temples bouddhistes, le paravent a très tôt acquis un usage domestique, à la fois cloison mobile et ouvrage décoratif très prisé de l'aristocratie japonaise.
Les plus grands peintres, dont Sôtatsu, Kôrin, Roretsy et Hokusai, mais aussi de nombreux anonymes non moins talentueux en ont livré de splendides réalisations. Si les merveilles de la nature au fil des saisons sont un motif de prédilection, l'évocation d'épisodes littéraires - notamment Le Dit du Genji - ou historiques - la guerre entre les clans Taira et Minamoto - permettent des mises en scène aussi sophistiquées que raffinées. Des genres originaux propres au paravent japonais, se distinguent particulièrement, tels les paravents "À qui sont ces manches ?", les paravents "ornés d'éventails jetés à la rivière", les "paravents au papiers collés"...
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Exceptionnel, ce livre l'est à plus d'un titre. 50e volume de la collection "L'Art et les grandes civilisations", il offre aux arts décoratifs une place de choix au sein du vaste champs de la création artistique mondiale qu'explore depuis plus de cinquante années cette collection de référence.
Longtemps considérés par les historiens de l'art comme "mineurs", les arts décoratifs sont désormais un réel sujet de recherche. L'heure est venue de proposer une nouvelle synthèse et de dresser un état des lieux chronologique des arts décoratifs en Europe, de la Renaissance à l'aube de la Seconde Guerre mondiale.
Les auteures ont composé un vaste panorama s'intéressant à la question de la circulation des modèles, des artistes et des artisans, aux matériaux et aux techniques sans en délaisser aucun - arts du métal, du bois, du feu, du fil, du papier -, aux usages, à l'évolution des formes, à la variation du goût et au rôle des collectionneurs et des marchands.
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Pour Darroch et Michael Putnam, le duo à la tête de la très courue agence de design floral Putnam & Putnam à New York, la création florale est comme la peinture : les fleurs sont la matière et la couleur le message. Fleurs : La Théorie des couleurs fait suite au célèbre Guide des fleurs par couleurs. Ce second ouvrage présente 175 superbes compositions créées par les Putnam à partir de combinaisons de couleurs complémentaires, analogues et monochromes. Distillés au fil des pages, conseils et astuces vous permettront de créer vos propres arrangements, tandis qu'une barre stylisée indique la palette chromatique utilisée. En fin d'ouvrage, des vignettes détachables facilitent l'achat des fleurs. Le Guide des fleurs par couleurs aidait le lecteur à choisir ses fleurs en fonction des saisons. Fleurs : La Théorie des couleurs va plus loin et montre comment combiner les couleurs pour créer d'incroyables compositions florales originales et fabuleuses. La couleur est au centre du travail et des cours d'art floral de Darroch et Michael Putnam, les fondateurs de l'agence de design floral Putnam & Putnam à New York. Leur premier livre, le Guide des fleurs par couleurs, traite des fleurs prises individuellement, de leur couleur, de leur identification et de leur saisonnalité. Second opus, Fleurs : La Théorie des couleurs révèle la mise en application de leur conception. Véritable guide pratique, il permet de créer de belles compositions imaginatives, avec des gammes de couleurs et des éléments variés, dont des fleurs, des feuillages et des fruits. En allant chromatiquement du blanc au noir, ce livre permet de découvrir 175 compositions construites autour de combinaisons de couleurs : analogue, complémentaire, monochrome, transitionnelle, arc-en-ciel, accentuée et triade. Des conseils et une barre de couleurs latérale éclairent la création de la composition. À la fin du livre, des échantillons de couleurs détachables ainsi qu'une multitude de conseils pratiques, du choix des vases à celui des fleurs pour les mariages, font de ce livre une source d'inspiration incontournable. Avec de superbes photographies et des conseils pour créer vos propres compositions, Fleurs : La Théorie des couleurs s'adresse aux fleuristes, organisateurs d'événements, artistes, designers ainsi qu'aux inconditionnels des fleurs, des couleurs et de la décoration.
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De la nudité idéalisée des héros de la Grèce antique aux portraits frontaux et radicaux des années 1970, et jusqu'aux peintures hyperréalistes, intimes et sensuelles de l'artiste français Jacques Sultana, les infinies possibilités de représentation du corps masculin fascinent le collectionneur Pierre Passebon depuis des décennies.Cet ouvrage met en lumière une sélection forte, engagée et parfois controversée, de nus masculins issus de sa remarquable collection privée:peintures, sculptures, photographies, céramiques et dessins, défiant les tabous entourant l'érotisme masculin et invitant le lecteur à réévaluer la notion d'identité masculine et les vues normatives du corps humain.

Le deuxième numéro de la revue annuelle qui s'attache à valoriser les savoir-faire et la technique dans le design, l'artisanat ou l'industrie, consacré au tissage.
À travers un état des lieux historique, des reportages en usine, des décryptages de savoir-faire, et des pièces iconiques, Tools livre une enquête sur le tissage d'hier et d'aujourd'hui, en accordant une grande attention à celles et ceux qui fabriquent les objets cultes de notre quotidien et qui véhiculent les histoires qui sont à l'origine de notre imaginaire commun.

À l'occasion des 250 ans de l'École nationale supérieure des arts décoratifs (EnsAD), ce Que sais-je ? revient sur 100 mots qui disent et décrivent les arts décoratifs, ces savoir-faire et ces métiers qui joignent l'utile à l'agréable.
Traditionnellement opposés aux beaux-arts (peinture, dessin, sculpture), qui seraient une fin en soi, les arts décoratifs mettent l'esthétique au service d'une praticité. Architecture d'intérieur, mobilier, design graphique et multimédia, scénographie... Ils sont à mi-chemin entre l'art et l'artisanat et contribuent à donner des formes et des couleurs à bon nombre d'objets de notre quotidien.
Hector Guimard, l'auteur des édicules Art nouveau du métro, l'artiste-plasticienne Annette Messager, le bédéiste Jacques Tardi ou encore le typographe Philippe Apeloig comptent parmi les anciens élèves de l'EnsAD.

Architecte, urbaniste et designer, Jean-Michel Wilmotte, est le fondateur de l'agence d'architecture qui porte son nom. Il a marqué de son empreinte de nombreux projets qui n'ont cessé de surprendre et de susciter l'admiration.

En quarante ans, Wilmotte & Associés s'est imposée comme l'une des agences d'architecture les plus prestigieuses au monde dans les domaines de la muséographie et de la scénographie d'expositions.

Qu'il intervienne dans un bâtiment neuf ou ancien, Jean-Michel Wilmotte cherche toujours à instaurer une relation profonde entre l'objet d'art, l'espace et le visiteur. Son travail se caractérise par une recherche de transparence et une clarification de l'espace - éviter la surcharge et la superposition - de manière à faire place nette autour des oeuvres et leur permettre d'exister pour et par elle-même. Cette aspiration à l'effacement et à la sobriété engendre une grande sensation de sérénité dans des lieux qui magnifient les oeuvres et guident le regard des visiteurs.

L'agence Wilmotte & Associés est ainsi intervenue lors de commandes de grande envergure notamment pour le musée du Louvre à Paris (Aile Richelieu et département des Arts premiers au Pavillon des Sessions), le musée des Arts islamiques du Qatar à Doha, le musée d'Orsay à Paris (réaménagement des salles consacrées aux Impressionnistes), le Rijksmuseum à Amsterdam. Elle a également scénographié un grand nombre d'expositions temporaires : pour la Collection Pinault à Venise, le musée du quai Branly - Jacques Chirac et le musée des Arts décoratifs à Paris, entre autres.
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Réédition augmentée et mise à jour de l'oeuvre de Jean Dunand présentant plus de 1800 oeuvres illustrées de l'artiste.

Au milieu des années 1980, John Brinckerhoff Jackson entama une collaboration de plusieurs annnées avec le photographe Peter Brown, en vue de décrire le paysage de l'Ouest américain, dans les Hautes Plaines. Ils parcourent le Texas, le Nouveau Mexique, photographiant, discutant avec les habitants. Ce livre est le résultat de cette aventure.
Jackson raconte les mutations de l'Ouest américain, depuis l'arrivée des premiers pionniers, « le premier aperçu terrifiant d'un pays dépourvu de maisons, de routes et même d'arbres », « les horizons tremblants, une étendue sans immobile au milieu ». Il raconte la sociabilité des cow-boys, l'expansion des fils barbelés, la grille, la culture automobile, l'émergence du strip. Il dessine le changement séculaire d'une ville à la fois générique et imaginaire, Choctaw City.
Une genèse de l'Amérique à travers l'invention de son temps et de son espace propres.

Première édition mondiale (ouvrage inédit aux USA).
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Un tatouage, c'est un signe, un symbole, une amulette vivante que l'on porte indéfectiblement sur son corps, comme un gage d'éternité. Cette pratique ancestrale constitue à la fois un rite de passage, une célébration, un acte esthétique indiquant, par la seule force du tracé, la marque visible d'une identité. Cet ouvrage présente l'histoire du tatouage, une description détaillée des techniques anciennes et modernes, ainsi qu'un vaste panel de motifs : simples ou sophistiqués, figuratifs ou symboliques, unicolores ou bigarrés.
Pour chacun de ces tatouages, vous trouverez un historique et la signification associée.

Bleu mignon, fleur de coing, agriotte, langouste... Des couleurs surgies du passé, un trésor d'inspiration.
Ce cahier bilingue français-anglais donne la parole aux échantillons de teinture d'Antoine Janot, maître-teinturier languedocien de la première moitié du XVIIIe siècle, aux couleurs appréciées jusqu'aux confins de l'Orient.
Après une brève présentation du teinturier et de son oeuvre, ce cahier livre les clés des couleurs de 67 de ses échantillons de fin drap de laine?: nom et photo de chaque nuance, description du procédé permettant de l'obtenir et - nouvel apport à l'histoire des noms de couleurs - ses coordonnées colorimétriques dans l'espace chromatique CIELAB. Il devient alors possible de vérifier l'exactitude des essais de reproduction de ces couleurs et de s'en inspirer pour concevoir les couleurs de demain.


Celestial blue, quince flower, sour cherry, lobster red... How can we not be inspired by these colour names from the past?
This bilingual Workbook in English and French presents the colour gamut of Antoine Janot, a master-dyer from Languedoc in the south of France during the 18th century whose colours were highly prized as far away as the Levant.
After a brief introduction of the master-dyer and his work, the authors deliver the key elements defining the colours of 67 swatches of fine wool broadcloth: the name and photo of each shade; a schematic description of the process by which it has been obtained; and (in a new approach to the history of colour names in textiles) its chromatic specification in the CIELAB colour space. This makes it possible to assess the accuracy of attempts to reproduce these colours and use them as sources of inspiration for the future.
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Photographies des auteurs

Le mot japonais kirigami vient du verbe kiru (couper) et du nom kami (papier) et désigne l'art de créer des formes en découpant puis en pliant une feuille de papier. Les pages de ce livre se déploient en relief pour évoquer le décor et les accessoires du monde des geishas, des samouraïs, des lutteurs de sumo, d'un sanctuaire shintô. Les personnages prédécoupés deviennent des fi gures en trois dimensions, que l'on peut faire évoluer dans leur petit théâtre. Ainsi se construisent des scènes magiques du Japon éternel, avec un montage très facile, sans colle ni ciseaux.

Découvrez les plus beaux tatouages de stars !

Rihanna, Katy Perry, Adele, Justin Bieber, Cara Delevingne, Thierry Henry, LeBron James... Tous affichent fièrement leurs tatouages sur les tapis rouges, les magazines et les réseaux sociaux. Bang Bang, le tatoueur le plus populaire auprès des stars, revient sur son aventure et les événements qui l'ont amené à tatouer ces célébrités (et bien d'autres encore).

Plus de 100 photos accompagnent le récit engageant de Bang Bang et ses entretiens avec les stars. Il raconte avec passion l'histoire qui se cache derrière chacunes de ses oeuvres les plus populaires et partage son expérience hors du commun.

« Bang Bang est entièrement dévoué à son art. C'est très rare, c'est pour cela qu'il est unique. » RIHANNA
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Ce catalogue présente une série de vases que Matali Crasset a réalisée dans le cadre d'une résidence à la Manufacture de Sèvres. L'ouvrage se compose de 3 cahiers, imprimés sur 3 papiers differents, comprenant des polaroids des vases photographiés par Julien Carreyn, des dessins de la designer et un ensemble de documents divers.

Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la Cultural Gallery, Monaco, du 26 avril au 30 Juin 2018.

Joseph Kaspar Sattler, venu de Munich en 1891 enseigner à l'École des Arts décoratifs de Strasbourg, dessine "Une Danse macabre moderne" : tout à la fois fantastiques et violentes, noires, satiriques et burlesques, ces planches seront exposées, reproduites et commentées à Paris, Berlin et Londres. Elles seront vues et admirées par Alfred Jarry, Henri Graf Kessler et Edvard Munch, au moment où Sattler participe aux débuts de la prestigieuse revue Pan, dont il dessine l'affiche.
L'approche proposée ici est en deux temps : un commentaire littéraire (série de 16 textes qui constituent autant d'illustrations des dessins de Sattler) sur les 16 dessins de la "Danse macabre moderne" (ces magnifiques planches, dont la finesse et le tirage en héliogravure pourraient laisser croire qu'il s'agit là d'un travail de graveur, sont rééditées pour la première fois) suivi d'une étude qui s'attache au parcours créatif de Joseph Kaspar Sattler, pris par les vicissitudes de l'Histoire (il s'agit du premier livre en français sur cet artiste, à découvrir : si son nom figure dans de nombreux ouvrages et dictionnaires, les liens qu'a pu avoir Joseph K. Sattler avec les mouvements littéraires et artistiques du temps sont ici précisés et mis en perspective avec des revues aussi prestigieuses que Pan, la Revue blanche, La Plume, Le Mercure de France, qui en leur temps se sont ouvertes au travail de l'artiste et lui ont donné un début de notoriété).
De quoi donner chair à cet artiste, dont on a pu dire qu'il était un esprit agité, « l'âme attirée et par le monde obscur et inquiétant, et par le côté effrayant de la vie de l'homme ».
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Marie-France Boyer pousuit avec ce livre son exploration des campagnes françaises entamée avec les Intérieurs du monde rural. Alors que ce premier ouvrage était consacré aux espace privés, le Vie de village s'intéresse aux espaces publics : postes, mairies, écoles, gares, hôtels, restaurants, cafés, quincailleries, garages...

Tributaires de la tradition, comme figé depuis les années 1950, les objets et le mobilier de ces espaces publics jouent de matières, de formes et de couleurs bien précises, réinterprétées à leur manière par les artisans locaux. Fort éloignés des tendances du " bon " goût actuel, imprégnés de chaleur humaine et reflétant l'histoire de ceux qui y vivent ou y travaillent, ils sont à présent menacés par la standardisation générale et la désertification des campagnes. On peut légitimement se demander jusqu'à quand pourront se perpétuer ainsi des modes de vie si étrangers aux règles du monde moderne. Et l'ensemble des photographies originales prend d'ores et déjà la valeur d'un précieux témoignage.
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Lorsque paraît, entre 1852 et 1863, Kunstwerke und Geräthschaften des Mittelalters und der Renaissance (Oeuvres d'art et ustensiles du Moyen Âge et de la Renaissance), ceux qui en font l'acquisition peuvent s'estimer les propriétaires d'un véritable musée recelant des trésors exceptionnels. Riche de 216 gravures sur cuivre colorées à la main, l'ouvrage offre un vaste panorama des arts appliqués en Europe, du IXe au XVIe siècle, présentant mobilier, pièces d'orfèvrerie, bijoux, tapisseries et reliures.Le directeur de la publication de l'ouvrage était particulièrement bien placé pour sélectionner ces chefs-d'oeuvre du Moyen Âge à la Renaissance issus de collections publiques aussi bien que privées. Jakob Heinrich von Hefner-Alteneck (1811-1903) dirigeait en effet le Cabinet royal des Gravures et Dessins, à Munich, puis le Musée national de Bavière. Les signatures apposées au bas des planches de Kunstwerke und Geräthschaften montrent en outre que la plupart sont de sa main.Oeuvre d'art en soi autant qu'inventaire de huit siècles d'arts appliqués, ce recueil sublime offre au lecteur contemporain un témoignage ainsi qu'un recueil de tout ce qui peut être accompli de la main de l'homme, grâce à son imagination créatrice.À propos de la collectionBibliotheca Universalis: la compilation culturelle indispensable qui rend hommage à l'éclectisme de l'univers TASCHEN ! Lire la suite Fermer

Réussir sa déco est un guide de référence des techniques et astuces de décoration qui vous aidera à métamorphoser simplement et habilement votre intérieur selon vos envies.
L'ensemble est richement illustré par de magnifiques photos du fonds Art & Décoration.

Tous les grands principes de base de la décoration : choisir les bonnes couleurs, les matières, le mobilier adéquat, jouer avec les volumes et les luminaires pour éclairer une pièce, mettre en place des rangements pour optimiser l'espace.