Fondé à Bruxelles en 2013 par Pierre Leguillon, le Musée des Erreurs est une exposition itinérante qui s'installe dans les salles des musées comme un cirque itinérant qui vient en ville et qui repart. Le reste du temps, la collection est stockée dans l'atelier de l'artiste, principalement dans les placards de sa cuisine. La plupart des objets sont fabriqués en série et leur valeur matérielle est négligeable : cartes postales, pochettes de disques, affiches grandes et petites, pièces de tissu, céramiques, art populaire, dessins d'enfants et autres objets divers.
L'ouvrage rassemble également des objets jugés trop petits, trop fragiles ou trop insignifiants pour avoir été exposés, ainsi que des photographies de scènes de rue quotidiennes qui éclairent les différentes facettes de la collection. Qu'ils soient signés ou anonymes, ces objets défient toute prétention d'autorité à une époque où la culture visuelle est partagée sur les médias sociaux et sur le web, sans distinction de valeur matérielle ou esthétique, souvent sans légendes et, trop souvent, avec des attributions erronées. Pour Leguillon, le tri et le remaniement constants des objets nous aident à revisiter les interprétations conventionnelles et à subvertir, avec une bonne dose d'humour, le genre de « prêt-à-porter » culturel que tant de musées nous servent aujourd'hui. Des essais de Patricia Falguières et Morad Montazami situent le Musée des Erreurs dans la tradition des musées d'art et du phénomène d'appropriation culturelle, tandis que Carrie Pilto rédige des légendes en style libre en commentaires des objets présentés.
Pierre Leguillon (né en 1969 à Nogent-sur-Marne, vit et travaille à Paris) est un artiste, curateur et auteur connu pour avoir transformé le diaporama en une forme performative poétique, subtile et teintée d'humour. Ses « Diaporamas » - composés de clichés pris par l'artiste - proposent par le biais de connexions d'images inattendues de nouveaux systèmes de classifications. Leguillon réalise également des assemblages ainsi que des dioramas énigmatiques explorant le travail et la vie d'artistes tels que Marcel Duchamp, Diane Arbus, Ad Reinhardt, George Ohr et Jean Dubuffet. Son travail a été montré dans des institutions tels que le Moderna Museet (Malmo, Sweden, 2010), Musée du Louvre (Paris, 2009) et Artists Space (New York, 2009). Il a édité Sommaire entre 1991 et 1996, et ses textes ont parus dans Purple, Artpress et Le Journal des Arts.
Une archive visuelle du mouvement : la collection de photographies de mouvements corporels, de gestes et d'expressions faciales rassemblées par la danseuse, enseignante et thérapeute Suzanne Perrottet, l'une des co-fondatrices de la danse expressive moderne, innovatrice dans le domaine de l'instruction de la danse et l'éducation du mouvement musical et rythmique, proche de Dada Zurich.
Suzanne Perrottet (1889-1983) a grandi à Genève, étudié la rhythmique avec Émile Jaques-Dalcroze et enseigné à Hellerau, où Mary Wigman a été une de ses élèves. En 1912, elle rencontre le danseur, chorégraphe et théoricien Rudolf von Laban, s'installa avec lui dans la colonie d'artistes de Monte Verità près d'Ascona et ensuite à Zurich où elle se produisait lors des soirées dada. L'été de 1913 marque un vrai tournant sur Monte Verità! Avec Laban, Wigman et d'autres, Perrottet découvre le pouvoir expressif des mouvements et gestes naturels, du son et des mots. C'était la naissance de la danse moderne.
Tout le monde devait pouvoir profiter de l'esprit du mouvement naturel, le but était de libérer le corps et l'esprit.
En 1920, Perrottet fonde une école à Zurich. Non contente d'y avoir enseigné à des danseurs, acteurs, enfants et adultes, y compris à des personnes présentant des handicaps physiques ou psychiques, elle se consacra à la recherche, intense et ininterrompue. Pour pallier au manque de littérature disponible dans ce nouveau domaine, elle commença à découper des images de mouvements, de gestes et d'expression physique dans des magazines. En 60 ans, elle a amassé une archive de plus de 10 000 images, qu'elle a classées par catégories. Suzanne Perrottet a continué de travailler jusqu'à ses 89 ans. Après sa mort, ses cartons à bananes remplies de coupures ont été oubliées. Redécouvertes à l'intérieur de ce livre, elles offrent un aperçu sur une collection unique - une archive visuelle du mouvement.
Première édition anglaise d'un ouvrage colossal dédié au cinéma de Pasolini, publié pour la première fois dans les années 1980 en Italie : 2000 images extraites des films du réalisateur italien, organisées selon les catégories « corps » et « lieux », accompagnées d'analyses et d'une compilation de textes de Pasolini. Placé sous le signe de l'appropriation, ce livre pasolinien dans le fond et la forme est un outil de recherche indispensable. Avec le texte italien original.
Le soulèvement de la jeunesse, aujourd'hui simplement appelé « les années 60 », a été alimenté par l'un des plus grands booms de l'histoire de l'édition. L'Underground Press Syndicate (UPS) a commencé comme une confédération de cinq journaux en 1966, et en quelques années, il a fédéré plus de 500 titres à travers le monde, touchant des millions de lecteurs. Ils se sont « répandus comme de la mauvaise herbe », a déclaré Tom Forcade, directeur de l'UPS, marchand de mauvaises herbes et futur fondateur de High Times. La métaphore était appropriée : l'UPS a impulsé le mouvement de légalisation, et l'herbe est devenue son totem.
L'herbe était si répandue qu'elle est devenue un prétexte utile pour les agences gouvernementales pour sévir contre l'UPS. La weed est devenue l'emblème des groupes d'activistes, et a ajouté une touche de style aux titres de l'UPS. Elle a envahi les pages de l'UPS, les trous dans le texte étant remplis d'illustrations ponctuelles inspirées par la marijuana.
Heads Together rassemble ces dessins, mettant en lumière des noms moins connus dans le canon de l'art du stoner, et beaucoup de ceux qui n'étaient pas des noms du tout, car aucune signature n'était attachée. Il compile également des guides de culture de l'herbe de l'époque, qui étaient traités comme de la contrebande par la CIA. Les papiers à rouler psychédéliques à vocation militante sont également présentés.
Alors que la légalisation de la marijuana progresse rapidement aux États-Unis et ailleurs, son statut autrefois sulfureux prend un relief étrange. Les profiteurs du marché de l'herbe d'aujourd'hui ne reflètent pas ceux qui se sont battus pour la légalisation, ni les populations noires et latinos qui ont été stratégiquement criminalisées pour l'herbe bien avant que les hippies ne soient pris pour cible, et bien après.
La production graphique rassemblée dans ce livre témoigne d'une époque où le pot était fumé avec optimisme, comme quelque chose de potentiellement bon pour la société et les gens, capable d'activer une transformation profonde face à des forces corrompues et puissantes.
Le premier chapitre de la spectaculaire série de projets de Taiyo Onorato et Nico Krebs intitulée FUTURE interroge la manière dont l'évolution de notre représentation de l'avenir au cours des dernières décennies affecte notre perception du présent et conditionne nos réactions aux changements en cours.
Recréées par Taiyo Onorato et Nico Krebs pour la plupart à partir de documents d'archives, les images de ce livre illustrent le fait que toute vision ou représentation de l'avenir est nécessairement un collage d'images tirées du passé.
En utilisant une combinaison de photographies analogiques grand format et de diverses technologies laser à commande numérique, les artistes ont créé un monde visuel qui emprunte à la science-fiction et adopte une approche associative d'un monde émotionnel oscillant entre l'optimisme de l'enfance des artistes et le dystopisme de l'époque actuelle.
Le premier ouvrage rassemblant l'iconographie éclectique de musiciens de jazz, de boxeurs, d'icônes noires américaines et d'amis du peintre new-yorkais.
A Few of My Favorites est le premier recueil d'oeuvres d'Armando Alleyne. Il a peint et collé des interprétations de musiciens de jazz, de chanteurs afro-latins, de boxeurs, mais aussi de membres de sa famille et de connaissances. Parallèlement à sa pratique incessante de la peinture de portraits d'icônes noires, Alleyne laisse des éléments de son expérience vécue prendre forme dans son travail. Des séries telles que Shelter Blues illustrent son expérience directe du sans-abrisme. Une autre série, Maria's Song, convoque un panthéon de symboles religieux pour rendre hommage à la soeur qu'il a perdue à cause du sida. On trouve également des peintures érotiques que l'artiste a réalisées à partir de publicités de magazines et de modèles qu'il a mis en scène. Ne renonçant ni au sensuel ni au politique, l'ensemble des peintures d'Alleyne raconte comment nous sommes déterminés par notre ville et comment nous pouvons y chercher les outils pour guérir. Les oeuvres sont présentées aux côtés d'une série d'instantanés et d'anecdotes personnelles qui évoquent les oeuvres vendues et les personnes qui ne sont plus parmi nous.
Ouvrage photographique retraçant le voyage en automobile des deux artistes depuis la Suisse jusqu'à la Mongolie, à travers les territoires mystiques de l'Est.
En avril 2013, les photographes et proches collaborateurs Nico Krebs et Taiyo Onorato sont partis de Suisse avec leur Toyota Land Cruiser de 1987, direction l'est et leur ultime destination, la capitale de Mongolie, Oulan-Bator. Parcourant les paysages d'Eurasie et d'Asie centrale, Nico Krebs et Taiyo Onorato ont photographié de nombreux territoires inconnus, pris en tension entre des traditions millénaires, l'héritage soviétique et la dissémination anarchique du modèle capitaliste. Une confusion identitaire que les deux artistes parviennent à rendre palpable à travers leurs photographies. Continental Drift est le deuxième ouvrage publié par Taiyo Onorato et Nico Krebs aux éditions Patrick Frey, après The Great Unreal, compte-rendu d'un voyage au coeur des États-Unis.
Au coeur de New York, un loup-garou prophète du jugement dernier et un messager de l'apocalypse se retrouvent mêlés à un affrontement entre le peuple, le gouvernement et Dieu. Le dessinateur Mark Thomas Gibson interroge, dans ce livre imposant de plus de 300 pages grand format, dessiné à la main jusqu'au colophon, la disparition des utopies aux États-Unis au travers d'un récit à l'esthétique minimaliste qui réunit les langages visuels de la peinture et de la bande dessinée, qui mêle aussi l'exaltation et le désespoir, à la manière d'un Raymond Petitbon.
Mark Thomas Gibson (né en 1980 à Miami, vit et travaille à New Haven) est un dessinateur et un peintre. Il est également professeur à la Yale School of Art.
Cette publication extraordinaire sous coffret rassemble une sélection d'images d'archives et de photographies provenant de publicités issues de sites spécialisés dans la vente de stupéfiants sur le darknet. Imprimées à l'encre invisible, les images ne peuvent être vues à l'oeil nu et nécessitent l'emploi d'une lampe de poche ultraviolette, incluse avec l'ouvrage.
Internet peut être considéré comme un iceberg : la pointe émergée est ce que l'on appelle le Web surfacique, le terrain numérique que nous connaissons et sur lequel nous naviguons au moyen des moteurs de recherche, des réseaux sociaux, etc. La partie submergée, environ 90% de l'iceberg, est ce que l'on appelle le Web profond : un réseau crypté et en constante évolution, garantissant l'anonymat total, hors de portée des instruments de recherche traditionnels. Ce darknet est un no man's land sans loi, accessible uniquement à l'aide de logiciels spécifiques. Intraçable, il est le lieu de prolifération des activités illicites, et notamment de contrebande.
Les photographies présentes dans ce volume, tirées des sites de ventes de produits illicites présents sur le Web profond, ne peuvent être vues que sous une lumière ultraviolette - la même utilisée par les brigades des stupéfiants pour déceler les traces de drogues.
Première monographie d'envergure consacrée à une figure importante de l'art brut, l'inventeur de machines volantes Gustav Mesmer. Cette publication revient sur son parcours et son oeuvre à travers des essais en français de Lucienne Peiry, Juliane Stiegele et Franz Xaver Ott, ainsi que 400 illustrations en couleur (reproductions des oeuvres sur papier et des manuscrits, photographies des machines, sculptures et instruments).
Gustav Mesmer (1903-1994), surnommé l'« Icare de Lautertal », est né en 1903 dans le village d'Altshausen, en Haute-Souabe (Allemagne). Il quitte l'école très tôt pour travailler dans des exploitations agricoles. Il entre ensuite dans un monastère bénédictin. Il passe six ans à l'abbaye de Beuron, avant d'être renvoyé après être tombé malade. De retour à Altshausen, sa ville natale, il fait irruption dans une église et proclame que la religion est une fraude. Diagnostiqué schizophrène, il est interné à l'hôpital psychiatrique de Bad Schussenried où il s'occupe en suivant des ateliers de vannerie et de reliure.
En 1932, il découvre dans la bibliothèque de l'hôpital un article sur l'invention d'un vélo volant. Cette obsession le suit alors toute sa vie. Il décide de construire des bicyclettes volantes à propulsion humaine, censées pouvoir voler. Son répertoire d'inventions comprendra également d'autres engins volants, des machines parlantes et des instruments de musique. Outre d'innombrables croquis, dessins et schémas, il écrira de la poésie et de la prose.
Son oeuvre est un monde inépuisable, maintenant accessible au public. Gustav Mesmer est décédé en 1994. Il est désormais considéré comme une figure exceptionnelle de l'art brut.
Après son immersion dans les sphères du pouvoir, Christian Lutz s'introduit dans l'univers des casinos : à la suite de son projet Insert Coins (2016), consacré au déclin de Las Vegas, le photographe genevois se penche sur le consumérisme chinois dans les casinos de Macao, nouvelle capitale mondiale du jeu depuis une quinzaine d'années, univers de l'argent, du luxe et du simulacre. Lutz scrute les surfaces lisses et aseptisées de ce nouveau monde dans lequel apparaissent les premières fissures, en s'inscrivant dans une tradition de photographie documentaire humaniste tout en développant une esthétique hyper maîtrisée et une narration cinématographique.
Luxueuse monographie rétrospective du peintre et dessinateur suisse : 250 oeuvres sur papier (dessins à l'encre, au crayon, au stylo et aquarelles) couvrant plus de trois décénnies d'exploration du potentiel graphique de la ligne.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Kunstmuseum de Lucerne en 2022.
Une vie, entre art et cinéma : l'autobiographie visuelle d'une figure pivotale du cinéma en Suisse et en Europe en quelque 300 images tirées de l'incroyable collection de photos de films de Matthias Brunner, des classiques hollywoodiens aux films d'auteur, et de reproductions d'oeuvres d'art contemporain, qui nous fait entrer dans l'intimité de Fassbinder, Waters, Warhol et bien d'autres.
Les biographies peuvent être aussi variées que les vies humaines. Magnificent Obsessions Saved My Life est cependant un cas à part, un genre très particulier d'(auto)biographie qui retrace les étapes et les tournants de la vie d'un artiste d'après-guerre issu d'une famille dysfonctionnelle, avec pour toile de fond les expériences de libération sexuelle de sa génération 68 et son expérience trop personnelle de deux pandémies mortelles : le SIDA et le Covid-19. Mais ces éléments biographiques et historiques de la vie de l'artiste sont mis en avant dans un dialogue permanent avec les classiques hollywoodiens, les films d'auteur et l'art contemporain. Car une oeuvre d'art cinématographique ou visuel n'est rien si elle ne vous parle pas de votre propre vie : le cinéma et l'art parlent toujours de ce qui a été et de ce qui aurait pu être, de ce que nous sommes et de ce que nous voudrions être. Magnificent Obsessions aborde ces questions existentielles par le biais de textes et d'images, notamment des sélections de l'impressionnante collection de photos de films de Brunner et des reproductions de ses oeuvres d'art préférées. Il examine comment le monde a changé, en particulier les voyages, les hôtels et les expositions, depuis le milieu du XXe siècle, quels vêtements et coiffures les gens portaient alors et portent aujourd'hui.
Comme dans les films, les gens sont au centre des des écrits de Brunner, parfois d'une franchise mordante et pourtant affectueux, presque tendres. Lorsqu'il perd l'amour de sa vie, le marchand d'art suisse Thomas Ammann, emporté par le sida, il écrit sur leur bonheur commun pour ne pas être rongé par le chagrin. Il se souvient de la glamour Elisabeth Bossard (Thema Selection), son amante de longue date, et raconte des anecdotes d'un flirt à Venise avec Edmund White, l'écrivain américain qui devint son ami. Il raconte sa relation d'amour-haine avec le cinéaste suisse Daniel Schmid, avec des aperçus intimes des cinéastes allemands défunts Reiner Werner Fassbinder et Werner Schroeter, de leurs oeuvres et de toute la scène qui les entourait.
La vie de Brunner est marquée par deux constantes : un désir d'évasion artistique et une volonté généreuse et inlassable de partager ses obsessions avec les autres. C'est Brunner qui a très tôt fait venir en Suisse les films de ses amis John Waters et Andy Warhol, en contournant la censure. Sans cela, ces films n'auraient pas été vus - ou seulement beaucoup plus tard, avec l'avènement de l'Internet. Brunner connaissait les côtés lumineux et sombres de l'usine à rêves, mais il était toujours prêt à succomber une fois de plus à son Imitation of Life, comme Douglas Sirk a intitulé l'un de ses grands mélodrames.
Une série de sculptures en bois réalisées par le pionnier du pop art japonais dans les années 1980, récemment redécouvertes.
Les sculptures en bois découpé de Tanaami rappellent des jouets d'enfants et rompent de manière inattendue avec le style habituel de l'artiste. Elles forment un monde obscur d'objets évoquant les figures gelées de ses premiers films qui relient l'esthétique de la publicité américaine avec des souvenirs fragmentés de la deuxième guerre mondiale. Aujourd'hui ces sculptures singulières rappellent des créatures de jeu vidéo, des maquettes d'architecture fantastique et le design post-moderne, tout en maintenant un rapport à l'artisanat traditionnel japonais.
Die Not hat ein Ende - The Swiss Art of Rock se penche sur l'histoire de la musique rock helvète, avec comme particularité de donner une visibilité accrue aux sous-cultures qui en ont émergé. Près de 50 ans de scène locale et d'histoire de la pop et du rock sont retracés à travers les pochettes d'albums, affiches de concerts, flyers, fanzines, BDs et photographies de designers, graphistes, musiciens et photographes de l'époque. Die Not hat ein Ende - The Swiss Art of Rock constitue un document historique impressionnant sur une époque, un travail exhaustif et un hommage à l'esthétique anar-chic de cette avant garde artistique, de ses débuts jusqu'à nos jours. Outre l'intérêt porté à l'imagerie musicale, ce volume consacre aussi une large partie à l'histoire de la musique elle-même, avec, entre autres, une chronologie détaillée du développement du mouvement en Suisse.
Des années 1970 jusqu'à sa mort en 2000, le scientifique, artiste et collectionneur Andreas Züst a séjourné de nombreuses fois au Groenland, photographiant la glace sous ses formes les plus diverses. Cette publication rassemble une sélection issue de cette vaste série.
Toute sa vie, Andreas Züst a été fasciné par les phénomènes naturels. Dès son enfance, il prenait stoïquement note des conditions météorologiques trois fois par jour. Plus tard, alors qu'il était étudiant en glaciologie, il a passé des mois entiers à Thulé au Groenland à forer des carottes de glace et à y réaliser d'innombrables diapositives de ses travaux de recherche. Le corpus du matériau photographique qui en résulte donne à voir la glace sous une multitude d'aspects différentes et échappe à toute détermination, du blanc des paysages de glace infinis et des cristaux de glace sur une fenêtre au bleu éclatant, d'un ours polaire regardant dans l'appareil photo sur une plage couverte de glace à un camp de base de recherche sous la lumière de la pleine lune. La lueur bleue opaque de la glace (que l'on peut voir dans un diaporama) incarne l'aura de ces images évocatrices de l'autre monde. L'histoire de la glace et celle de la vie et du travail d'un glaciologue sont racontées séparément dans Pursuit of Wonders, mais sont liées par l'atmosphère qui émane de ce voyage surréaliste à travers un monde de glace, complété par les contributions des artistes Peter Mettler, ami de Züst, Jimena Croceri et Sarina Scheidegger, ainsi que de Kris Decker, chercheur en histoire et théorie des sciences.
Publié à l'occasion de l'exposition « Eis » au Kunstmuseum Luzern, Suisse, du 25 septembre au 29 novembre 2020.
Journal photographique élaboré à partir de 3000 clichés noir et blanc réalisés en 1972 entre Londres et la Suisse, juste avant qu'Iwan Schumacher ne se consacre entièrement à la réalisation de films. Prises à la volée, les photographies du cinéaste helvète sont imprégnées d'une qualité onirique, offrant le portrait d'une jeune génération post-Sixties teintée de mélancolie.
Ce livre d'artiste met en miroir de véritables photographies de propagande du troisième Reich avec des reproductions issues de films hollywoodiens mettant en scène des nazis : une réflexion sur le réel et le factice, doublée d'un commentaire actuel sur le rapprochement croissant du populisme et du fascisme.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à Documenta 14, Neue Galerie, Cassel, du 7 juin au 17 septembre 2017.
Perfect Cherry Blossom présente le résultat de la première collaboration très attendue entre l'artiste britannique Oliver Payne et l'artiste pop japonais Keiichi Tanaami : une série de dessins originaux de Tanaami retravaillée par Payne à l'aide de stickers figurant des éléments graphiques issus de jeux de tir d'arcade japonais.
Ce projet s'inscrit dans la série de publications STUDIOLO / Editions Patrick Frey.
Publié suite à l'exposition éponyme à STUDIOLO, Zürich, du 17 novembre 2011 au 28 janvier 2012.
Designer graphique, illustrateur, peintre et plasticien, réalisateur de films expérimentaux, figure mythique du film d'animation japonais et de la scène pop d'après-guerre au Japon, Keiichi Tanaami est célèbre pour ses oeuvres psychédéliques au style singulier, mêlant couleurs flamboyantes, érotisme sous-jacent, poissons d'or géants et références surréalistes.
Né en 1936 à Tokyo comme fils d'un grossiste de textile, Tanaami a neuf ans lorsqu'il fait l'expérience du bombardement de Tokyo peu avant la fin de la deuxième guerre mondiale. Il étudie à l'Université des Arts de Musahino, rend visite à Andy Warhol à New York en 1969, travaille avec Robert Rauschenberg et le critique d'art Michel Tapié pendant leurs voyages au Japon et conçoit des pochettes d'album pour Jefferson Airplane et The Monkees. En 1975, Tanaami devient le premier directeur artistique de l'édition japonaise de Playboy Magazine. Il enseigne à l'Université d'art et de design de Kyoto depuis 1991.
Oliver Payne (né en 1977 à Londres, vit et travaille à Los Angeles) est un artiste britannique. Après ses études à la Kingston University de Londres, Payne collabore avec Nick Relph. Ensemble ils exposeront à la Serpentine Gallery (2000), à la Kunsthalle Zürich (2004) et chez Gavin Brown's Enterprise à New York (2005). Depuis 2007, les deux artistes poursuivent une carrière individuelle.
Voir aussi Keiichi Tanaami ; Oliver Payne & Nick Relph.
Catalogue dédié au dessinateur Stéphan Landry, acteur majeur de la scène artistique suisse des années 1990.
Slogans publicitaires, emballages alimentaires, couvertures de livres ou logos dénichés dans les journaux : Stéphan Landry (1960-2009) se plaît à dérober des images de la vie quotidienne pour n'en retenir que l'essentiel dans ses dessins. Il se créé ainsi un véritable alphabet warholien, grâce auquel il parvient à évoquer à la fois l'état du monde et sa propre vie.
Tout va bien : l'industrie du bonheur des années 1990 a beau proclamer avec véhémence le côté positif de la vie, Landry en expose les mécanismes obscurs grâce à l'ironie et à la diversion, transformant une imagerie pop en portrait intime du quotidien. Les voici échouées sur la page, ces frêles silhouettes - anonymes, isolées du reste du monde - qui forment autant d'autoportraits voilés d'un artiste disparu trop tôt, à l'âge de quarante-neuf ans.
Publié suite à l'exposition « Tout va bien - M/2 et Stéphan Landry » au Musée Jenisch, Vevey, Suisse, du 31 mars au 11 juin 2017.
Voir aussi M/2, Vevey - 1987-1991.
L'univers de l'artiste suisse Stéphan Landry (1960-2009) est quasi exclusivement celui du dessin. Très personnelles, le plus souvent de petit format, les oeuvres trahissent l'acuité du regard d'un artiste à la très grande sensibilité, qui perçoit le monde dans toute sa complexité. C'est dans les carnets réalisés à Rome en 1998 que l'artiste puise la matière de son oeuvre à venir. Ils vont ainsi devenir des répertoires de « mythologies » rattachées à la culture populaire, mais aussi littéraire. Chez l'artiste, le double, le multiple, le complexe apparaissent à chaque instant : ici un dessin sur papier calque, là son double, puis son reflet inversé. Dans ces jeux de mots récurrents et ces constants détournements d'images, subtilité et ambiguïté ne cessent d'affleurer.
Première monographie consacrée à un artiste méconnu, le peintre et dessinateur allemand Josef Maria Schröder (1874-1972). Actif de l'entre-deux guerres au milieu des années 1960, Schröder a développé une technique de dessin au stylo bille avec laquelle il produisit de lumineuses compositions abstraites et des portraits inspirés du surréalisme et du constructivisme. Elles sont présentées ici pour la première fois.
« Le 24 septembre 2007, à l'Université de Columbia, l'ancien président iranien Mahmoud Ahmadinejad dit En Iran, nous n'avons pas d'homosexuels comme dans votre pays.
Alors qu'aujourd'hui certains pays occidentaux acceptent les mariages gays et lesbiens, en Iran, l'homosexualité reste toujours passible de peine de mort. Cette sanction interdit aux homosexuels de vivre pleinement leur sexualité. Leurs seules options sont de choisir la transsexualité, pratique tolérée par la loi mais considérée comme pathologique, ou la fuite.
A Denizli, une petite ville de Turquie, des centaines de réfugiés homosexuels iraniens transitent. Ils mettent leur vie en pause dans l'attente de rejoindre, un jour, un pays d'accueil où ils pourront librement vivre leur sexualité. Dans ce contexte d'incertitude où l'anonymat est la meilleure protection, ce travail questionne les notions fragiles d'identité et de genre.
Mes intentions étaient avant tout de ne pas victimiser mes sujets. Il est vrai que la situation politique est dramatique et que leur passé est chargé de souvenirs difficiles. Malgré cela, j'ai essayé de me focaliser sur leur situation actuelle et l'espoir qu'elle évoque. Elle est une promesse vers la libre expérience de leur orientation sexuelle et de leurs amours, au-delà du genre. Les images sont construites avec des éléments simples, légers, parfois même festifs, le tout pour créer un paradoxe avec la gravité du sujet et la précarité de leur situation. Entre images de visages cachés ou découverts, ma série témoigne de la difficulté qu'éprouvent ces personnes à réinvestir l'espace identitaire dont ils ont été privés. » Laurence Rasti
Livre d'artiste.
Où suis-je est une collection de dessins de paysages architecturaux provenant des souvenirs d'enfance d'Anne-Lise Coste : des images mentales des hôpitaux et des infirmeries où elle résidait enfant pour traitement asthmatique, images dont les détails sont sélectionnés, réagencés et rendus abstraits par la mémoire. Où suis-je constitue une clé pour comprendre le travail d'Anne-Lise Coste, non pas seulement pour sa dimension autobiographique, mais parce qu'il révèle la manière dont l'artiste utilise la ligne et le texte pour interroger mener une réflexion sur les notions de perte, de nostalgie et de lieu.
Possédant l'énergie et l'immédiateté du graffiti, les dessins et les textes d'Anne-Lise Coste (née en 1973 dans la région marseillaise, vit et travaille à New York après avoir vécu à Marseille et Zurich), qui lui permettent de conjuguer, avec une même puissance poétique, l'expression d'émotions subjectives, d'une critique sociale virulente et d'une sensibilité littéraire prononcée, proche de Dada, peuvent se lire comme une recension des angoisses contemporaines.
