It was in 1978, during my first summer of making portraits while using an 8x10 inch large format camera, that I found myself drawn to photographing redheads.
I have often been asked; 'why redheads,' and I've often felt it was because in summer redheads seem to bloom in the sun more gloriously than the rest of us. But it also might have been my living far out on the tip of Cape Cod, surrounded by all the blue light of sea and sky, which made me pay more attention to the flamboyant qualities of redheads. Their hair and the exotic markings of their skin in sunlight became even rosier and more astonishing in that blue atmosphere.
Redheads, like film itself, are transformed by sunlight. It seems natural to me now that I would have paid attention to this new phenomenon as it appeared within the larger subject of the Cape itself. After making more than 50 portraits that first month, in which at least 30 were of redheads, I understood that this was an impulse to be taken seriously.
I ran an ad in the local paper, the Provincetown Advocate: "REMARKABLE PEOPLE! If you are a redhead or know someone who is, I'd like to make your portrait, call...." They began coming to my deck, bringing with them their courage and their shyness, their curiosity and their dreams, and they shared their stories of what it was like to be a redhead. They spoke of the painful remembrances of childhood, the violations of privacy and name calling-"Hey, red," "freckle face," "carrot head." They also shared with me their sense of personal victory at having overcome this early, unwanted celebrity, and how like giants or dwarfs or athletes they had finally grown into their specialness and by surviving had been ennobled by it. You could say that they had been baptized by their own fire, and that their shared experience had formed a "blood knot" among them. I had begun making portraits with the intention of photographing ordinary people. But redheads are both ordinary and special.
Their slender slice of the genetic pie accounts for only 2 or 3 percent of the world's population. As different as redheads are in terms of nationality and religion, they often give the appearance of a strong familial connection.
My way of making portraits is not by getting down on my hands and knees, nor climbing high on a ladder, nor getting into bed with a celebrity, but simply standing eye to eye with anyone has found their way to me, young or old. I need only one or two sheets of film and the patience to see it through.
This new edition of 'Redheads' will have a number of new and previously unseen portraits.
L'ouvrage invite à parcourir l'histoire de la photographie couleur tout au long du XXe siècle à travers le regard acidulé de 19 artistes. Le parcours composé en 7 chapitres nous entraîne dans des mondes vibrants et saturés où la couleur percute la rétine et engage l'esprit.
Souvent décriée et rarement prise au sérieux, la photographie couleur a pourtant permis aux photographes de s'en donner à coeur-joie, de sortir leur palette pour repeindre le monde. Ils sont plusieurs à s'être libérés de l'assignation documentaire du medium photographique pour explorer ce que l'image avait de racine commune avec l'imaginaire en flirtant avec le pop, le surréalisme, le bling, le kitsch et le baroque.
La conquête de la couleur en photographie suit de peu l'invention du médium avec les premiers essais à but scientifique au milieu du XIXe siècle. En 1907, le premier procédé industriel de la photographie couleur s'affirme avec l'autochrome, créé per les frères Lumière. S'ouvre alors un siècle d'expérimentation chromatique : des scènes ordinaires aux réflexions philosophiques et politiques, la couleur transcende le simple outil pour devenir un élément narratif central.
Qu'il s'agisse de magnifier les détails d'une scène quotidienne, de redéfinir les codes de beauté des magazines ou de capturer des sujets engagés, la photographie couleur offre une vision intensément chromatique du monde. Cette diversité de regards et de pratiques témoigne d'un fil conducteur : la volonté de donner à voir autrement, en insufflant aux images la vie et l'émotion que seule la couleur peut transmettre.
Maurizio Cattelan et Sam Stourdzé revisitent ainsi l'histoire de la photographie couleur à travers les 20 numéros de Toiletpaper. Les images créées pour le magazine iconique constituent un fil conducteur narratif, contaminant et faisant irruption dans les pages du livre pour établir un dialogue photographique et créer métaphoriquement un groupe imaginaire d'amis iconographiques.
Oeuvres de Miles Aldridge, Erwin Blumenfeld, Guy Bourdin, Juno Calypso, Walter Chandoha, Harold Edgerton, Hassan Hajjaj, Hiro, Ouka Leele, Arnold Odermatt, Ruth Ginika Ossai, Martin Parr, Pierre et Gilles, Alex Prager, Adrienne Raquel, Sandy Skoglund, Toiletpaper, William Wegman, Madame Yevonde.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la Villa Medicis, Rome, du 28 février au 9 juin 2025.
A la suite de ToiletMartin PaperParr et de ToiletAlex PaperPrager, ToiletMiles PaperAldridge est la troisième collaboration du duo Toilet Paper, Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari.
Le photographe britannique Miles Aldridge a développé une esthétique à la fois chic et chromatique, mais aussi surréaliste. Il est influencé par les films de Federico Fellini et de David Lynch, par la photographie de Richard Avedon, ainsi que par les pochettes d'albums et couvertures de livres créés par son père, Alan Aldridge.
David Lynch, l'une des sources d'inspiration d'Aldridge, a dit un jour à propos de son travail : « Miles voit une réalité chromatiquement harmonieuse, graphiquement pure et aux contours nets ». Ce dernier numéro de Toilet Paper présente une sélection d'images de mise en scène glamour et sophistiquées d'Aldridge dans une palette de teintes acidulées et vibrantes.
ToiletAlex PaperPrager est la nouvelle édition du magazine Toilet Paper, née d'une collaboration avec l'artiste, photographe et réalisatrice américaine Alex Prager : un dialogue vibrant dans lequel le style ironique de Toilet Paper rencontre l'humour noir d'Alex Prager, un défilé d'images à la fois familières et étranges, suggérant un monde intemporel situé quelque part entre le rêve et la réalité.
Le magazine ToiletAlex PaperPrager est un projet original né de la rencontre entre l'univers visionnaire de Toilet Paper et l'imagerie troublante d'Alex Prager. Le magazine présente douze images d'Alex Prager et douze images conçues par Toilet Paper : l'esthétique séduisante, les couleurs vibrantes et les déviances visuelles caractéristiques de Toilet Paper enrichissent l'univers de Prager, et réciproquement. L'exploration par l'artiste de la frontière délicate entre réalité et fiction, à travers son mélange unique d'archétypes, d'objets quotidiens, d'humour et d'allégories, forme le coeur d'un voyage captivant et énigmatique.
Ce nouveau magazine s'inscrit dans la continuité de ToiletMartin PaperParr, une publication spéciale qui a rassemblé en 2018 les images les plus emblématiques des archives prolifiques de l'artiste mondialement célèbre Martin Parr et du duo Cattelan-Ferrari.
Joel Meyerowitz is one of the pioneers of color photography, as well as an essential reference figure for street photography, large-format photography, and portraits. The Pleasure of Seeing is his first biography, the book offers a look behind the scenes of the life and career of one of America's photographic living legends. In conversation with historian and photographer Lorenzo Braca, Meyerowitz speaks vividly about his beginnings, studying art history, meeting Robert Frank, photographing on the streets of New York City with Tony Ray-Jones and Garry Winogrand, traveling extensively across America and Europe, learning from John Szarkowski, director of photography at MoMA, working on numerous exhibitions and publications, photographing at Ground Zero in 2001 and 2002, and about the most recent still lifes and self-portraits projects. The book contains over one hundred pictures, including Joel's most iconic photographs as well as new and previously unpublished material. This comprehensive visual biography testifies to the author's continuing evolution throughout the six decades of his career and discusses his work in relation to his personal life, to the history of photography, and to the incessant transformation of the medium. Meyerowitz reveals anecdotes, personal memories, and the story behind many of his famous photographs.
Michael Christopher Brown a suivi pendant plusieurs jours le cortège funèbre de Fidel Castro, l'ancien révolutionnaire et chef d'Etat cubain, à la fin de l'année 2016. Le photographe s'est penché depuis la fenêtre de sa voiture, côté passager, pour photographier les Cubains massés le long de l'autoroute, attendant de voir passer le convoi militaire chargé d'acheminer les cendres de Castro de La Havane à Santiago. L'ensemble de ses photographies est exposé aux Rencontres d'Arles en 2018.
Au coeur de l'« Invasion » des drag-queens à Fire Island.
L'« Invasion of the Pines » est un événement annuel qui a lieu le 4 juillet à Fire Island, dans l'État de New York. L'« invasion » inaugurale a eu lieu en 1976 lorsqu'une drag queen s'est vu refuser l'entrée dans un restaurant de The Pines et qu'un groupe de ses amis, également habillés en drag queen, a pris d'assaut l'île en signe de protestation. Depuis lors, l'invasion se répète chaque année et des centaines de drag queens descendent sur The Pines pour commémorer et célébrer cet acte de protestation original. Fire Island Invasion. Day of Independence d'Anderson Zaca marque le 50e anniversaire de ce phénomène historique et culturel.
Anderson Zaca a commencé à documenter l'événement en 2007. Adopté par la communauté, il a vécu son évolution année après année et rend hommage à la magie de ce puissant spectacle. Réalisé à l'aide d'un film noir et blanc et d'un appareil photo moyen format, le travail de Zaca combine des éléments traditionnels et contemporains, mettant en valeur les détails complexes de chaque scène et capturant la dimension éminemment contradictoire des participants. Avec plus de trois mille images couvrant près de deux décennies, les photographies de Zaca servent à la fois d'archives et d'hommage au pouvoir de transformation de l'art du drag au cours de cette célébration annuelle emblématique.
Cet ouvrage présente les travaux de Valérie Belin réalisés entre 2007 et 2013, notamment les séries Corbeilles de Fruits, Lido, Ballroom Dancers, Vintage Cars, Têtes Couronnées, Black-Eyed Susan I et II, Décors, Mariées, Bob, Intérieurs ainsi que Still Life ou All Star. On y trouve également des vues d'exposition et des images de sa performance Comment devient-on Michael Jackson ? présentée au Centre Pompidou en 2004.
Publiée par Damiani, cette édition de Wild Flowers est une version éditée et mise à jour de la publication de 1983 de Meyerowitz, son troisième livre devenu un classique dans les décennies qui ont suivi. Comprenant photographie de rue, portraits, natures mortes, paysages, vues urbaines et plus encore, Wild Flowers rassemble des photographies de toute la carrière de Meyerowitz, de 1967 à 2020, toutes florales à leur façon.
This Is My Life I'm Talking About est l'histoire d'une amitié avec le grand héros américain John Lewis. Danny Lyon la raconte en images avec une grande sensibilité et beaucoup d'humour, à travers une sélection de photos dont la plupart sont inédites. Son histoire commence en Russie sous le tsar, lorsqu'en 1905 l'oncle de Lyon, Abram, est impliqué dans le meurtre d'un policier lors d'un pogrom et s'enfuit à Brooklyn, où, pendant la Seconde Guerre mondiale, Lyon est né.
Catalogue en français de l'exposition consacrée à la grande photoreporter au Jeu de Paume (6 février - 20 mai 2018). Cette rétrospective Susan Meiselas réunit une sélection d'oeuvres des années 1970 à nos jours. Membre de l'agence Magnum depuis 1976, Susan Meiselas questionne la pratique documentaire. Elle s'est faite connaître par ses images sur les zones de conflit en Amérique centrale dans les années 1970 et 1980, notamment grâce à la force de ses photographies couleur.
Forty years of transformation and upheaval: compiling Martin Parr's longstanding love affair with Ireland Martin Parr (born 1952) has been taking photographs in Ireland for 40 years. His work covers many of the most significant moments in Ireland's recent history, encompassing the Pope's visit in 1979, when a third of the country's population attended Mass in Knock and Phoenix Park in Dublin, to gay weddings in 2019.
Parr lived in the West of Ireland between 1980 and 1982. He photographed traditional aspects of rural life such as horse fairs and dances, but also looked at the first hints of Ireland's new wealth in the shape of the bungalows that were springing up everywhere, replacing more traditional dwellings. During subsequent trips to Ireland he explored the new estates around Dublin, documented the North and showed how, after the Good Friday agreement, the Troubles became the focus of a new tourist boom.
The final chapter of this book portrays a contemporary Dublin where start-up companies are thriving, the docks area is being gentrified and where icons of wealth and modernity are ubiquitous. Ireland has also now voted to allow both abortion and gay weddings, developments that would have been unthinkable 40 years ago. Parr published a book of his original black-and-white photographs in 1984. A Fair Day had an introduction by Fintan O'Toole, who subsequently became Ireland's leading cultural commentator.
En plus de 90 photographies inspirées des cultures visuelles des pays d'Afrique de l'Ouest, leur mode et leur design, mais aussi leur histoire coloniale, cette première monographie présente le travail de Namsa Leuba, artiste guinéenne et suisse. Elle accompagne la première exposition solo de l'artiste aux Etats-Unis.
Into the Wild book is an important book for Spring 2022 as it depicts people choosing an alternative lifestyle of living for surf rather than living to work due to social economic pressures. To them surf is a way of life and they love to drive their cars to where the best waves are, sleep overnight and wake up to surf the best waves. Sometimes they even surf at night during the full moon periods. This is a definite change of mentality of the younger generation right now - the youth who choose to live in the moment and enjoy an alternative lifestyle.
This is a book about surfing and speaking to surfers. The journalist who is interviewing the surfers is a surfer himself and works for Stab Magazine - a well respected surf magazine based in LA that has a big online presence. They also plan big surf events and competitions so its very good for promotion to have their support.
Lorsque Lee Quinones, âgé de 14 ans, s'est lancé dans sa première fresque murale à la bombe de peinture en 1974, il a réalisé des dessins au marqueur dans les gares de triage du métro de New York, qui ont servi d'études pour ses fresques murales roulantes de 15 mètres de long. Des dessins, des objets et des photographies du métro illustrent la façon dont l'émergence de Lee Quinones a servi de catalyseur à ce qui est aujourd'hui reconnu comme le mouvement du street art. Avant Lee, l'art du graffiti était accessible à un public restreint de jeunes gens qui admiraient le style et l'échelle. Les images des trains de Lee illustrent la façon dont il a changé le visage du mouvement, en insufflant des éléments cinétiques du futurisme dans plus de 120 peintures murales de wagons de métro à travers le système de transport en commun. Lee a inventé le concept de peinture murale urbaine autoportante avec son emblématique mur de handball Howard the Duck, en 1978. Il a introduit la peinture à la bombe au niveau international lors de sa première exposition officielle à Rome, en 1979, aux côtés de Fab 5 Freddy. Il a influencé ses pairs Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Jenny Holzer, entre autres, que l'on voit en train de regarder le travail de Lee. Lee et Basquiat étaient les plus jeunes artistes à exposer à la Documenta 7. Lee a joué le rôle semi-autobiographique de Zoro dans Wild Style, le premier long métrage sur le hip-hop. Les images font apparaître le commentaire social et la poésie utilisés dans ses premières oeuvres expressionnistes. Les peintures suivantes montrent comment la pratique de Lee a façonné une génération d'artistes contemporains au fur et à mesure qu'il développait sa technique. Les photographies capturent l'ambiance et l'urgence du New York des années 1980, passant de la rue à l'intimité et à la maturité de l'environnement du studio contemporain de l'artiste.
Napoléon, Spartacus, Oscar Wilde ou encore Rembrandt... Les portraits de personnages historiques de Hiroshi Sugimoto semblent avoir traversé le temps pour parvenir jusqu'à nous. Il s'agit en réalité de figures de cire, qu'un sculpteur a conçu d'après des peintures et sculptures d'époque. Cette double interprétation questionne le concept de représentation. Tout comme dans Dioramas, Theaters ou Seescapes, le photographe joue avec la notion d'Histoire et du passage du temps.
