Cet ouvrage révèle une archive exceptionnelle : l'immense collection de photographies de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge où des grands noms de l'agence Magnum tels Robert Capa, Susan Meiselas ou Henri Cartier-Bresson se mêlent aux photos prises par des anonymes sur le terrain. À travers ces dizaines d'images de 1850 à nos jours dont certaines commentées par des grands témoins, c'est toute une grammaire visuelle de l'action humanitaire qui se dessine.
Il est dur de classifier le travail de Deborah Turbeville, dont les oeuvres ne peuvent être défini par aucun mouvement artistique. Depuis sont émergence dans les années 1970, ses oeuvres ont étés reconnues par une représentation différente de la beauté féminine en comparaison aux oeuvres d'autres artistes hommes où la femme est sur-sexualisée. Ce livre met en avant les manières par lesquelles Turbeville a redéfini la photographie de mode, en s'éloignant de la provocation sexuelle et stéréotypiques inscrit par les photographes hommes de l'industrie.
Cette nouvelle publication se concentre sur les photocollage de Turbeville, où elle intervient fortement dans ses oeuvres par des méthodes du découpage et d'association, ou encore en créeant des séquences narratives par des écritures sur les marges. Construit à partir des archives de Deborah Turbeville, ce livre présente ses travaux commerciaux et personnels, accompagné de textes écrits par Vince Aletti, Anna Tellgren, et Felix Hoffman.
Publié pour accompagner une exposition à Photo Elysée au printemps 2024 et à l'occasion du centenaire de la publication du Manifeste surréaliste d'André Breton, cet ouvrage présente plus de 150 portraits de Man Ray, réalisés principalement dans les années 1920 et 1930, ayant pour sujets des figures émblematiques de la scène artistique de l'époque tels que Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Georges Braque, Alberto Giacometti et Pablo Picasso, ainsi qu'une sélection de ses photos de mode.
À l'heure d'Internet, l'information n'a jamais été aussi rapide. Mais quid de la fiabilité, et de l'exhaustivité des renseignements ?
Ce dictionnaire est conçu pour répondre aux interrogations des amateurs de photographie et pour leur fournir un bagage théorique indispensable à son appréhension. En effet, si l'art est, pour une part, technique, ce postulat est encore plus vrai en ce qui concerne cette discipline, conditionnée par l'appareillage.
D'un autre côté, ce jeune medium a suscité beaucoup de questionnements depuis son invention quant à son usage, ses possibilités, ses limites, sa production et sa réception.
Cet ouvrage rend compte de ces aspects et de toute l'histoire de la photographie sur 180 ans, à travers plus de 1 200 entrées, 300 illustrations et la collaboration de 150 experts. Des définitions à la fois précises et concises, doctes et accessibles des termes techniques (matériel et procédé) mais aussi des présentations de photographes, de collectifs, d'organisations, de collectionneurs, d'historiens, de critiques, des expositions etc. Le tout savamment illustré de portraits d'artistes, de photographies d'expositions ou encore de schémas techniques
Alt+1000, le festival de photographie contemporaine qui a lieu dans le village de montagne de Rossinière, dans les Préalpes suisses, réunit les oeuvres d'artistes travaillant sur une même thématique. En 2013, les travaux s'articulent autour de la notion d'altitude. Celle-ci englobe d'une part la représentation de la montagne, un thème qui ne cesse de passionner les artistes depuis les excursions dans les Alpes du peintre Caspar Wolf au XVIIIe siècle.
La notion d'altitude s'exprime également par des vues aériennes ou à travers l'idée de vertige. Les dispositifs sont variés et ouvrent des réflexions sur l'espace, le territoire et la question d'échelle. Que ce soit dans les travaux des lauréats du concours ou ceux dans d'artistes invités, la notion d'altitude se retrouve dans des travaux photographiques aux lectures riches et multiples, à vocation artistique, documentaire ou conceptuelle.
Depuis un siècle, le groupe Condé Nast, éditeur notamment des magazines Vogue et Glamour, joue un rôle déterminant dans le domaine de la photographie de mode grâce au talent de découvreur de ses rédacteurs en chef et directeurs artistiques qui ont su lancer de jeunes photographes parfaitement en adéquation avec leur époque, capables de saisir l'air du temps, de l'incarner et de le sublimer. Les personnalités exceptionnelles qui ont façonné ces journaux, tels Edna Woolman Chase, Diana Vreeland ou Alexander Liberman, ont ainsi donné leur première chance aux plus grands noms de la photographie de mode - Horst P. Horst, Erwin Blumenfeld, David Bailey, Guy Bourdin, Corinne Day, Deborah Turbeville ou encore Sølve Sundsbø, pour n'en citer que quelques-uns.
En nous donnant à voir ces images emblématiques qui ont jalonné l'histoire de la mode et de sa représentation depuis les premiers clichés de mode de l'immense Edward Steichen en 1911 jusqu'à ceux de Mario Testino, Bruce Weber, Tim Walker ou Michael Baumgarten en passant par Cecil Beaton, Irving Penn et Helmut Newton, cet ouvrage jette une lumière nouvelle sur un art photographique qui n'a eu de cesse d'innover. L'historienne de la photographie Nathalie Herschdorfer a bénéficié d'un accès inédit aux archives Condé Nast à New York, Paris et Milan et présente dans cet ouvrage une sélection de clichés originaux ainsi que les pages des magazines dans lesquels ils ont été publiés. Elle nous donne ainsi l'opportunité exceptionnelle de redécouvrir le travail de plus de 80 photographes à l'orée de leur carrière. Le livre comporte également des essais d'Olivier Saillard, directeur du Musée Galliera à Paris, et de Sylvie Lécallier, responsable des collections photographiques de ce même musée, ainsi qu'un entretien exclusif avec Franca Sozzani, rédactrice en chef de Vogue Italia.
Que font les jeunes photographes à l'aube du XXIe siècle ? Quel regard portent-ils sur le monde ? Dans quelle mesure s'inscrivent-ils dans la tradition, la développent-ils ou la rejettent-ils ? Sont-ils encore attachés à la chambre noire ou l'ordinateur est-il devenu le nouveau laboratoire de fabrication d'images ? reGeneration tente de donner des réponses à ces questions, en révélant les travaux de 50 jeunes artistes susceptibles de figurer parmi les meilleurs photographes contemporains. Ce livre, remarquable par le vaste tour d'horizon qu'il propose, présente une sélection de plus de 200 images qui sont le fruit des recherches d'une nouvelle génération d'artistes. Les jeunes artistes présentés ont été sélectionnés par le Musée de l'Élysée de Lausanne, mondialement connu dans le domaine de la photographie, qui a lancé un grand concours, ouvert aux photographes des meilleures écoles d'art et de photographie des cinq continents, visant à révéler quels étaient les photographes promis à une importante carrière dans les vingt prochaines années.
L'artiste photographe suisse Béatrice Helg s'impose comme une figure singulière dans l'histoire de la photographie mise en scène. Loin des approches hyperréalistes ou narratives, l'artiste développe dès les années 1980 une écriture spécifique mêlant espace, lumière et matière, qui lui vaut une reconnaissance internationale. Près de 70 expositions personnelles lui ont été consacrées en Europe, aux États-Unis et au Japon et ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques internationales.
L'ouvrage réunit des oeuvres emblématiques et des créations inédites, issues des séries "Théâtres de la lumière", "Esprit froissé", "Crépuscule", "Éclats", "Cosmos", "Résonance" ou "Natura", réalisées au cours des 40 dernières années.
Le Corbusier avait bien compris les multiples pouvoirs de la photographie. Tout au long de sa vie, il s'en est servi pour étayer l'élaboration de son travail d'architecture, jouant sur un vaste répertoire iconographique pour illustrer ses écrits et ses expositions. Mais Le Corbusier avait surtout saisi l'efficacité démonstrative et promotionnelle de la photographie pour construire son image et diffuser ses idées à travers le monde, notamment grâce aux clichés de photographes renommés tels Lucien Hervé et René Burri.
Sont ici reproduites près de 300 photographies : photos personnelles souvent inédites, photos de voyages et photos de famille, photos promotionnelles, documentaires ou artistiques, mais aussi collages monumentaux, documents d'époque et fac-similés de ses premiers livres. On y découvrira aussi la prégnance de son oeuvre dans la photographie contemporaine à travers le regard de Stéphane Couturier, Olivio Barbieri, Thomas Flechtner et bien d'autres.
Réalisé par des spécialistes internationaux de Le Corbusier, ce livre nous fait entrer dans l'oeil de l'architecte. En six chapitres, ce livre apporte un nouveau point de vue sur la création de l'un des architectes les plus influents et les plus fameux du XXe siècle.
Dans ce panorama revigorant, des photographes de la Génération Z venus des quatre coins du monde explorent l'intime et le politique avec une énergie incandescente. Leurs regards libres et audacieux bousculent les normes et inventent de nouvelles images. Pour Salomé Saqué, autrice de la préface : « Ce livre fait ressentir l'inquiétude sourde, le besoin de beauté, la vigueur des révoltes, l'euphorie impétueuse. Il ne documente pas une génération, il la laisse s'écrire elle-même. »
Où en sont les jeunes photographes à l'aube de cette deuxième décennie du XXIe siècle ? Quel regard portent-ils sur le monde ? Dans quelle mesure s'inscrivent-ils dans la tradition, s'en inspirent-ils ou la rejettent-ils ? C'est à ces questions et à bien d'autres encore que tente de répondre le projet reGeneration - le plus vaste et ambitieux panorama à ce jour de la photographie émergente.
Cinq ans après l'immense succès de l'exposition « reGeneration - 50 photographes de demain » et du catalogue publié à cette occasion, cet ouvrage propose de découvrir les travaux de 80 jeunes photographes qui figureront sans nul doute parmi les meilleurs artistes de demain.
Répondant à un concours international lancé par le Musée de l'Elysée à Lausanne, 120 écoles d'art et de photographie ont soumis le travail de plus de 700 élèves. Les conservateurs du musée ont ensuite procédé à la sélection de 80 lauréats dont les oeuvres photographiques sont ici présentées, des travaux AVP D 17/62 Novembre et décembre 2012 inédits qui abordent des thématiques aussi diverses que l'espace urbain, la mondialisation, l'identité ou la mémoire, par le biais de pratiques souvent hybrides qui permettent plus que jamais de brouiller les pistes entre réalité et fiction.
Ce livre, remarquable par le vaste tour d'horizon qu'il propose, présente une sélection pointue et rigoureuse de plus de 200 images, fruit des recherches d'une nouvelle génération d'artistes.
Que font les jeunes photographes à l'aube du XXIe siècle ? Quel regard portent-ils sur le monde ? Dans quelle mesure s'inscrivent-ils dans la tradition, la développent-ils ou la rejettent-ils ? Sont-ils encore attachés à la chambre noire ou l'ordinateur est-il devenu le nouveau laboratoire de fabrication d'images ? reGeneration tente de donner des réponses à ces questions, en révélant les travaux de 50 jeunes artistes susceptibles de figurer parmi les meilleurs photographes contemporains.
Ce livre, remarquable par le vaste tour d'horizon qu'il propose, présente une sélection de plus de 200 images qui sont le fruit des recherches d'une nouvelle génération d'artistes. Les jeunes artistes présentés ont été sélectionnés par le musée de l'Élysée de Lausanne, mondialement connu dans le domaine de la photographie, qui a lancé un grand concours, ouvert aux photographes des meilleures écoles d'art et de photographie des cinq continents, visant à révéler quels étaient les photographes promis à une importante carrière dans les vingt prochaines années.
Les événements dramatiques ont toujours fasciné les photographes avides de moments clés, d'instants décisifs. Dans un monde saturé d'images, où photographes professionnels et amateurs enregistrent et diffusent désormais en temps réel des scènes de violence ou de drame dans le monde entier, nous ne sommes devenus que trop familiers avec les images de guerres et de catastrophes naturelles. Refusant cette immédiateté, des photographes ont choisi au contraire de prendre du recul par rapport à l'actualité dont se nourrissent les médias et de diriger leur regard sur ce qui se passe après. Grâce à leurs photographies, nous pouvons mieux mesurer la réelle étendue d'un drame, comprendre les séquelles, visibles et invisibles, laissées sur les personnes, les paysages et les villes. Leurs clichés incitent à la réflexion, suscitent l'empathie et font naître une prise de conscience, lente et profonde, à laquelle nulle image choc ne peut prétendre.
Jours d'après présente les oeuvres de plus d'une trentaine de photographes contemporains majeurs, dont Robert Polidori, Suzanne Opton, Raphaël Dallaporta, Taryn Simon, Guillaume Herbaut, Guy Tillim et Pieter Hugo. Chaque série photographique, présentée de manière autonome, invite le lecteur à percevoir autrement certains événements survenus depuis plus d'un demi-siècle : l'Holocauste, Hiroshima, la dictature argentine, les massacres de Srebrenica, le génocide rwandais, la guerre en Irak, l'ouragan Katrina... en nous donnant à voir les cicatrices, physiques ou psychiques, qui marquent à jamais ceux qui restent. Chambres à coucher de jeunes soldats américains morts sur le front, murs de prisons autrefois témoins de tortures, visages fermés, énigmatiques de ceux qui ont connu la guerre, hommes et femmes ayant passé de nombreuses années en prison pour des crimes qu'ils n'ont pas commis, façades trompeusement paisibles d'immeubles parisiens derrière lesquelles des employées furent réduites à l'esclavage, voilà quelques-uns des sujets des photographies contemplatives, émouvantes et toujours pudiques regroupées dans le présent volume. En fin d'ouvrage, plusieurs chercheurs proposent des textes qui nous aident à mieux comprendre les problématiques soulevées par ces images, qu'il s'agisse des réactions cognitives face à une photographie, du phénomène de l'empathie ou encore du processus de stigmatisation. En montrant comment la photographie contemporaine interroge notre monde et participe à sa meilleure compréhension, Jours d'après constitue paradoxalement un ouvrage d'une grande actualité.
Edward Steichen est déjà un peintre et un photographe célèbre des deux côtés de l'Atlantique lorsqu'il se voit proposer en 1923 un poste des plus prestigieux : directeur du service photographique de Vogue et Vanity Fair, les magazines de référence édités par Condé Nast. Durant les quinze années suivantes, Steichen va mettre son talent exceptionnel au service d'une mise en scène grandiose de la culture de son temps, immortalisant les grands noms de la littérature, du journalisme, de la danse et du sport, de la politique, de la musique, du théâtre et du cinéma, mais encore et surtout les plus belles créations des grands couturiers de l'époque. Ces années marqueront le sommet de la carrière photographique de Steichen. Sa parfaite connaissance de l'avant-garde artistique, tant aux États-Unis qu'en Europe, associée à sa nature profondément éclectique, le prédisposait idéalement à traduire la haute couture en langage photographique. Ses images limpides, à dominante claire et aux détails d'une finesse absolue, révolutionneront la photographie de mode, influençant de grands photographes aussi différents que Richard Avedon, Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene et Bruce Weber. Ce magnifique ouvrage présente une sélection de plus de 240 photographies issues des archives Condé Nast dont la très grande majorité n'ont jamais été exposées. Les élégants mannequins de l'entre-deux-guerres côtoient ainsi des personnalités aussi éminentes que Winston Churchill, Colette, Cecil B. DeMille, Marlène Dietrich, Amelia Earhart, Charlie Chaplin, Gary Cooper, Greta Garbo, George Gershwin ou encore Frank Lloyd Wright. Les photographies qu'Edward Steichen créa au cours de ses années Condé Nast comptent parmi les plus remarquables du xxe siècle.
Les émotions sont au coeur de nos actions et façonnent profondément et durablement notre identité et nos sociétés. Ces phénomènes psychologiques, physiques et sociaux complexes que sont les émotions ont toujours fasciné les penseurs, les écrivains et les artistes, et font également l'objet d'un grand nombre d'études empiriques et conceptuelles.
Grâce à une approche interdisciplinaire, cet ouvrage s'attache à tisser des liens entre le monde artistique et le monde universitaire. Emotions conjugue la psychologie, la philosophie, la littérature et les neurosciences avec la photographie, exemple parfait de l'art comme vecteur de représentation et de déclenchement des émotions.
Les textes de chercheurs et d'universitaires issus de différents domaines des Sciences Affectives, juxtaposés aux travaux de photographes contemporains et à une sélection d'images de grands maîtres de la photographie comme Joséf Koudelka, Robert Capa, Robert Doisneau et Henri Cartier-Bresson dévoilent dix émotions humaines fondamentales : la colère, la joie, la peur, le dégoût, la surprise, la tristesse, l'amour, l'envie, la fierté et l'émerveillement.
Emotions are at the heart of human actions and shape both our individual beings and our societies in deep and lasting ways. These complex mental, physical and social phenomena have fascinated writers, painters and other artists, and have been the subject of many sophisticated experimental and conceptual studies.
This volume aims to bridge the gap between art and academia by taking an interdisciplinary approach. Emotions combines psychology, philosophy, literature, and neuroscience with photography which exemplifies perfectly how art is an ideal vehicle to both represent and elicit emotions.
Contributions from experts and scholars in the different fields of the affective sciences are juxtaposed with photographic essays by contemporary photographers and a selection of images by masters of the art including Josef Koudelka, Robert Capa, Robert Doisneau and Henri Cartier-Bresson that convey ten fundamental human emotions: anger, joy, fear, disgust, surprise, sadness, love, envy, pride and wonder.
The definitive survey of contemporary photography of the human body.
The body remains a battleground. Politicized, conceptualized and increasingly shared, our often-paradoxical relationship with the human form is nothing new, but finds itself heightened in the digitised, virtualised era of the 'post-industrial' body. No longer a tool but a work-in-progress, our bodily expectations bound from fantasy to reality, beauty to tyranny, art to commerce and curiosity to obsession, leaving us dreaming of other bodies and alternate lives.
Surveying a range of over 360 photographic re-presentations from the worlds of art, fashion, scientific and vernacular photography - including the work of Nobuyoshi Araki, Bettina Rheims, Lauren Greenfield, Viviane Sassen, Cindy Sherman, Wolfgang Tillmans, Daido Moriyama, Sally Mann, Pieter Hugo and Juergen Teller, Solve Sundsbo and Daniel Sannwald - Body: The Photography Book explores what our imaging of the human form, and the ways in which those images have been used and shared, might reflect of our relationship to the body. Supporting the broad range of photography is an essay by the psychologist Professor David Sander, who discusses the neurological representation of our own bodies.
Nouv.
