La photographie a, dès ses débuts, donné naissance à des images qui marquent encore aujourd'hui notre imaginaire collectif. Au-delà d'un art, la photo est un outil d'information, une arme de révolte, une manière de documenter son temps. Grâce à l'exceptionnelle collection constituée par la Fnac depuis 1978, aujourd'hui conservée au musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône, Quentin Bajac a pu réunir dans ce beau livre certains des plus grands représentants de tous les genres photographiques et dessiner une histoire de la photographie au XX? siècle ainsi que le portrait d'une époque.
Un baiser à l'Hôtel de Ville, des gamins turbulents, des ouvriers à l'usine, des gens du monde, des anonymes, des portraits de Picasso, de Tati... Robert Doisneau (1912-1994) est surtout connu pour ses photographies gaies, spontanées, poétiques de Paris et de sa banlieue. Mais ses soixante ans de vie de photographe vont bien au-delà, avec près de 500 000 images produites. On a pu qualifier le regard de Robert Doisneau de reportage humaniste, réalisme poétique, humour tendre..., mais au fond, aucune catégorie n'est parvenue à définir la richesse et la diversité de son oeuvre. Une piste cependant : il s'est situé lui-même comme un «pêcheur d'images» par opposition aux photographes «chasseurs». En effet, pour Quentin Bajac, le style de Doisneau, c'est avant tout la recherche d'une certaine simplicité, d'une immédiateté et d'une économie de moyens : une volonté de ne pas se disperser, pour demeurer toujours en alerte, léger, mobile et à l'affût du monde.
Originale et hors du temps, l'oeuvre de Julia Margaret Cameron, réalisée en à peine une décennie, entre 1864 et 1875, représente l'une des plus belles illustrations du souffle épique des débuts de la photographie. Célébrée à son époque pour ses portraits en gros plan, tout à la fois admirée et décriée pour son gout d'une mise au point légèrement floue, Cameron voyait dans chacune de ses images « l'incarnation d'une prière ».
Cet ouvrage présente plus d'une centaine de ses photographies, depuis ses premières expérimentations jusqu'à ses compositions allégoriques, ou d'inspiration littéraire, historique à plusieurs personnages, en passant par une impressionnante galerie de portraits de ses contemporains.
Exposition, Paris, Jeu de paume, 10 octobre 2023-28 janvier 2024.
Le catalogue de l'exposition qui se tient au Jeu de Paume à Tours en 2022, avec plus de 250 photographies réalisées après-guerre par Frank Horvat, entre 1950 et 1965.
Né en Italie en 1928, de parents juifs originaires d'Europe centrale, réfugié en Suisse en 1939, Frank Horvat commence la photographie au début des années 1950. De 1952 à 1955, ses premiers voyages au Pakistan, en Inde, en Israël et en Angleterre lui valent de nombreuses parutions dans la presse internationale. Parvenant à capter en gros plans des scènes d'une grande intensité et parfois des lieux interdits, il se révèle un photographe du corps et de l'intime. Une fascination qu'il exprimera aussi dans ses images de mode pour Jardin des modes, Vogue, Harper's Bazaar ou dans les vibrations hallucinées d'un tour du monde effectué en 1962-1963, resté largement inconnu.
Publié à l'occasion de l'exposition au Jeu de Paume-Tours, ce catalogue se concentre sur les quinze premières années de la carrière de Frank Horvat, période durant laquelle il affirme une personnalité hors norme d'auteur-reporter et de photographe de mode. Cet ouvrage constitue la première monographie historique sur l'oeuvre de Frank Horvat, renouvelant la vision et l'analyse de son travail, à travers un ensemble de photographies, de documents inédits et de textes de spécialistes.
Après quatre décennies d'expérimentation qui ont ouvert le nouvel art de la photographie à tous les registres de la représentation, survient en 1880 une révolution technique : le gélatino-bromure d'argent permet de passer de la photographie posée à la photographie instantanée. Des balbutiements des premiers appareils portables dans les années 1880 à la mythification de « l'instant décisif » de Cartier-Bresson dans les années 1950, Quentin Bajac en explore les grandes tendances. La période voit également les débuts timides de la couleur, l'émergence de la figure de l'amateur et le triomphe du photoreporter. Art de masse par excellence, objet de fascination pour les avant-gardes artistiques et langage universel incontournable, la photographie devient, à l'instar du cinéma, un des principaux emblèmes de la modernité.
Avec l'arrivée de l'Instamatic Kodak et du Polaroïd dans les années 1960, la photographie passe aux mains des amateurs. Dans le même temps, la photographie de presse, face au règne croissant de la télévision et aux contraintes du droit à l'image, redéfinit ses règles de diffusion : de nouvelles agences sont créées, un nouveau type de reportage d'«auteur» apparaît. Les artistes, eux, s'emparent de la photographie pour en faire une pratique «anti-artistique» majeure, qui se voit conférer une valeur marchande sans précédent. Avec la création de musées et de grandes biennales dédiés à la photographie, celle-ci s'inscrit définitivement dans l'histoire de l'art. En analysant les enjeux esthétiques et sociaux de la photographie, Quentin Bajac retrace avec brio 50 ans de pratiques, jusqu'à la révolution numérique. En ce XX? siècle saturé d'images, il pose la question de l'autorité du médium : la photographie dit-elle encore le réel ?
Lorsqu'en 1839 est annoncée, à Paris, l'existence d'un procédé qui permet de fixer les images de manière chimique, la nouvelle fait sensation : le daguerréotype, ce «miroir qui garde toutes les empreintes», est perçu comme un prodige ; Daguerre, son inventeur, est l'objet de toutes les sollicitations. Bientôt, d'autres procédés sont mis au point : d'abord le calotype puis le collodion, qui va s'imposer pour plus de trente ans. L'invention du format dit «carte de visite» et la standardisation des pratiques ouvrent alors la voie à d'importants ateliers, spécialisés dans le portrait. Appréciée pour son caractère «objectif», la photographie est utilisée à des fins documentaires : se succèdent missions d'inventaire, relevés topographiques, clichés d'identité, enquêtes scientifiques et premiers reportages. Diffusée par le livre et les premières revues illustrées d'épreuves, elle accompagne l'essor industriel de la seconde moitié du XIX? siècle. C'est à cette aventure de «l'image révélée» qu'invite Quentin Bajac qui, en explorant les limites et les avancées des cinquante premières années de la photographie, montre aussi comment certains des plus grands photographes de l'époque entendent la faire reconnaître comme un art.
«C'est pour saisir la nuit de Paris que je suis devenu photographe.» L'oeuvre de Brassaï trouve sa source dans le Paris nocturne des années trente. C'est au contact de la réalité de la rue et des lieux de plaisir, lors de ses marches en compagnie d'écrivains et amis, Henry Miller ou Léon-Paul Fargue, comme lui amoureux de Paris, que Brassaï apprend à voir et à photographier la ville. À ce Paris nocturne, qu'il fut le premier à photographier de manière aussi assidue, Brassaï consacra trois ouvrages, d'approche très différente:Paris de Nuit (1932), où éclatent la beauté muette des lieux et l'inquiétante étrangeté de la vision nocturne, Voluptés de Paris (1935), publication un peu leste, réalisée malgré lui, et qu'il n'a jamais revendiquée, et Le Paris secret des années 30 (1976), au contenu social plus marqué, où le photographe se fait aussi conteur. Reprenant l'essentiel des images publiées dans ces ouvrages et en en proposant d'autres, pour certaines inédites, cette publication est la première à analyser, en la replaçant dans le contexte de l'époque, la singularité de cette vision de Brassaï:entre reportage, documentaire social et recherche poétique, c'est bien son Paris nocturne des années de l'entre-deux-guerres qui lui assure une place majeure dans l'histoire de la photographie du XX? siècle.
La collection Thomas Walther du Museum of Modern Art (New York) est un fonds photographique réunissant près de 350 photographies. Elle s'avère unique non seulement au regard de la qualité exceptionnelle des tirages, exclusivement d'époque, mais aussi parce qu'elle reflète un moment clé de l'histoire de la discipline, à travers une centaine de figures emblématiques de l'avant-garde européenne des années 1920 et 1930 comme Berenice Abbott, Manuel Alvarez Bravo, Claude Cahun, André Kertész, Germaine Krull, Alfred Stieglitz, Paul Strand ou Edward Weston, pour ne citer que les plus connues.
Pendant près de 40 ans, Thibaut Cuisset (1958-2017) a construit une Å«uvre sur le paysage à travers des campagnes successives, en France et à l'étranger. Arpentant les paysages, il développe un style singulier qui s'appuie sur un équilibre ténu entre sujet, couleur et lumière. Les campagnes françaises et le cours des fleuves représentent un champ de recherche essentiel dans les recherches de Thibaut Cuisset sur le paysage. Le corpus d'images constitué autour de la Loire en est une démonstration notable, témoignant à la fois de la constance de l'écriture du photographe et de son évolution, tant dans la composition que dans les modalités d'exposition des photographies. Ainsi, l'exposition présentée au Château de Tours montre le travail réalisé par Thibaut Cuisset autour de la Loire pendant près d'une décennie, au gré de plusieurs commandes et prix photographiques. Réunissant pour la première fois l'ensemble de ces séries et proposant certaines photographies inédites, LoireÂ: Thibaut Cu
La Fondation Louis Vuitton expose les chefs d'oeuvres du MoMA à l'automne 2017. Deux cents oeuvres retracent l'histoire du MoMA et la formation de la collection, de sa première décennie (House by the Railroad d'Edward Hopper acquis en 1930), en passant par l'après-guerre (Pollock et De Kooning) puis au pop art et au minimalisme jusqu'aux oeuvres contemporaines acquises très récemment comme Untitled (Club Scene) de Kerry James Marshall ou un jeu de carte de Shigetaka Kurita. Certaines n'ont encore jamais été exposées en France. Également disponible en anglais (9780500239797).
L'Artiste Artiste comme modèle est le quatrième volume de « La Collection de photographies », série d'une grande originalité privilégiant une approche thématique, transversale, voire poétique, de la photographie moderne et contemporaine. Cette série est Illustrée d'une sélection d'oeuvres choisies parmi les 70 000 que compte la collection photographique du Centre Pompidou, l'une de plus importantes au monde.
Introduit par un long texte de Thomas Clerc, écrivain et maître de conférences en Lettre à l'Université de Nanterre, ce volume dédié à la thématique du portrait d'artiste rassemble une sélection de clichés des plus grands photographes qui ont exploré le sujet, de Man Ray à Andy Warhol, de Robert Doisneau à Gisèle Freund et bien d'autres.
Du 19/11/17 au 28/05/18, le MoMA expose les réalisations de Stephen Shore sur plus de 50 ans, de ses premières photographies argentiques sur gélatine à ses dernières oeuvres digitales produites pour les réseaux sociaux. Cet ouvrage retrace la carrière du photographe et permet ainsi une meilleure compréhension de son travail, incarné par la quête perpétuelle d'explorer les multiples possibilités offertes par la photographie.
La Collection de Photographies privilégie une approche thématique, transversale, voire poétique, de la photographie moderne et contemporaine, illustrée d'une soixantaine d'oeuvres choisies parmi les 70 000 que compte la collection photographique du Centre Pompidou, l'une des plus importantes sur le plan international.
Le Corps en Eclats : La fragmentation du motif, trait distinctif de l'esthétique moderne, trouve dans l'acte photographique un parfait vecteur : par le cadrage, la prise de vue, la focalisation, particulièrement celle obtenue par le gros plan, la photographie découpe et métamorphose le réel. Ce faisant, elle modifie profondément les deux genres fondamentaux de la saisie du modèle humain :
Le portrait et le nu.
Des photomontages surréalistes aux productions contemporaines, les artistes, en jouant de la concentration du regard sur un détail anatomique, de l'abolition des repères d'échelle et de la distance vis-à-vis du sujet, ou encore des effets de surface obtenus par le verre grossissant, recomposent de nouvelles cartographies du corps.
D'abord comédien, Éric Rondepierre se dirige ensuite - via la peinture - vers un travail photographique lié au cinéma. Son activité artistique joue sur les rapports dynamiques qu'entretiennent ses deux pratiques.
Au début des années 1990, il commence à explorer les « angles morts » du dispositif cinématographique. Son intervention consiste à choisir selon des critères bien définis, puis à photographier des photogrammes (c'est-à-dire des images qui apparaissent sur l'écran 1/24e de seconde et qui sont invisibles lors d'une projection normale) pour ensuite les proposer sous la forme de tirages photographiques de grand format.
Cette économie de l'image, parfois qualifiée de « conceptuelle », mobilise plusieurs registres (texte, peinture, cinéma, photographie) avec une rigueur qui n'exclut pas l'étrangeté ou l'humour.
Depuis 2002, l'oeuvre s'est diversifiée : l'artiste utilise ses propres images qu'il recompose avec ses textes, ses dessins ou encore avec des images de cinéma qu'il s'approprie.
Depuis le début de mon travail, je construis, avec des images, des mondes.
Ces mondes existent mais on ne les voit pas, on ne les connaît pas, ils n'arrivent pas à agir. Ainsi, en traversant des territoires, je figure des corps, des architectures ou des hommes, et j'habite des lieux où je peux représenter ces mondes. Ces éléments photographiés sont là pour toucher un niveau universel, dans lequel chacun puisse se projeter. Les localisations ne sont jamais explicitement indiquées dans mon travail, depuis aujourd'hui vingt ans.
Ici, si certaines des images sont réalisées dans un lieu " d'actualité ", elles ne le sont pas uniquement en " territoire palestinien " car elles ouvrent sur une problématique plus large. Je ne veux pas qu'elles perdent leur connexion avec " notre actualité ". J'aimerais que les gens soient baignés de ces images sans les avoir vraiment analysées ou localisées, après avoir vu ces photographies. C'est ce " bain " que je travaille : je cherche, au moyen des images, à baigner le corps de l'autre.
Ce montage d'images, choisies pour leur vibration, peut imprégner le spectateur d'un univers particulier et agir sur lui. Mon intention est aussi de dessiner un pays qui déborde d'existence malgré les clichés médiatiques, et de faire entrevoir une utopie qui deviendra réalité.
Après les périodes 1920-1960 et de 1960 à nos jours, Quentin Bajac continue son exploration des collections de photographies du MoMA en s'intéressant aux années 1840 à 1920. Divisé en huit périodes, l'ouvrage présente une multitude de thèmes et de sujets couvrant presque un siècle d'essais et de découvertes photographiques.
Cet ouvrage rassemble 60 photographies exceptionnelles acquises par le MoMA grâce au soutien de Robert B. Menschel et sélectionnées par Quentin Bajac, allant de William Henry Fox Talbot à Andreas Gursky en passant par Brassaï ou Eugene Smith.
Après la rétrospective consacrée à Mimmo Jodice à la Maison européenne de la photographie en 2010, le Louvre accueille pour la première fois le grand photographe italien. Mimmo Jodice s'empare de l'aile Sully, de mai à août 2011, afin d'y installer son nouveau projet : Les Yeux du Louvre. L'exposition présente une cinquantaine d'oeuvres - portraits en noir et blanc - de dimensions sensiblement égales. Les yeux des personnes photographiées, alignés à la même hauteur, fixent le visiteur.En juxtaposant des photographies de portraits célèbres du musée avec des portraits de personnes contemporaines, fréquentant le Louvre, simples visiteurs ou salariés du musée, le photographe se lance dans une entreprise de double abolition : abolir le temps et la différence entre peinture et photographie. «Photographier un visage peint signifie le mettre au présent, annuler le temps et la différence entre deux langues, celle de la peinture et celle de la photographie», écrit Mimmo Jodice. À travers cette «mise à plat» du temps, qui se donne à voir par la linéarité même de la succession des portraits dans la salle, le photographe montre la constance des sentiments à travers les âges : «Mon projet est de mélanger la réalité d'aujourd'hui avec celles des siècles passés et de montrer dans les visages d'hier et d'aujourd'hui les mêmes sentiments, comme la passion, l'anxiété, la noblesse, l'arrogance, la stupeur, l'ironie.» Le photographe propose ainsi une nouvelle rencontre entre peinture et photographie, pour faire parler au présent le riche passé du musée.Quentin Bajac, responsable de la photographie au centre Georges Pompidou, est l'auteur du texte accompagnant cet ouvrage.
Aujourd'hui consacré comme l'un des photographes majeurs de sa génération, Martin Parr parle néanmoins assez peu de son travail. D se livre ici dans un entretien avec Quentin Bajac et donne les clefs de ce qui fonde la particularité de son approche : un regard social, à la fois ironique et empathique sur les classes moyennes et populaires, les loisirs et pratiques consuméristes de masse et les objets de grande consommation. Sont abordées dans cet entretien illustré sa jeunesse et sa formation au Manchester Polytechnic, les controverses liées à son travail sur la société anglaise des années 1980, sa position particulière entre le monde du photoreportage (au sein de Magnum Photos), celui de la presse et celui de l'art, son attitude à l'égard de l'évolution du monde contemporain, mais également les multiples autres facettes de son travail avec la photographie, devenues aujourd'hui prépondérantes : l'historien, l'éditeur de livres, le commissaire d'exposition et le collectionneur. Si la globalisation, thème cher à l'artiste, est à l'origine d'un certain désenchantement du monde, ses images profondément attachées à l'humain nous accompagnent et nous permettent de l'habiter et de le regarder autrement.
